Top 20 Vincitori Oscar Miglior Fotografia del 21° secolo

Top 20 Vincitori Oscar Miglior Fotografia del 21° secolo

Ecco la top 20 di tutti i vincitori dell’Oscar per la migliore fotografia del 21° secolo da “Hidden Dragon” del 2000 fino ad ora. C’è una sorprendente quantità di versatilità in questo elenco ed è interessante vedere come l’arte della cinematografia si sia evoluta negli ultimi due decenni da quando la fotografia digitale ha preso piede.

Top 20 Vincitori Oscar per la miglior fotografia : la classifica

Top 20 Vincitori Oscar

La fotografia è un aspetto fondamentale del grande cinema. Senza un direttore della fotografia con un forte punto di vista, un film può risultare incompleto anche se ogni altro aspetto è ben curato. Il film è un mezzo visivo, dopotutto, e la grande cinematografia ha il potere di trasportare il pubblico in un nuovo mondo, di mettere il pubblico nei panni di un personaggio o persino di trasmettere un tema usando la metafora visiva.

Uno dei più grandi direttori della fotografia che sia mai vissuto è Roger Deakins, il cui occhio naturalistico ha portato immagini indimenticabili a film che vanno da L’assassinio di Jesse James del codardo Robert Ford a “Skyfall”. Dopo 14 nomination alla carriera, Deakins ha finalmente vinto l’Oscar per la migliore fotografia nel 2018 per il suo lavoro stellare in “Blade Runner 2049” e nel 2019 Alfonso Cuarón è diventato il primo regista a vincere l’Oscar per la migliore fotografia per il suo film. Ma come si confrontano i vincitori del passato?

20. Memorie di una geisha (2005)

Il lavoro del direttore della fotografia Dion Beebe qui è sicuramente notevole anche se il film non ha riscosso il successo sperato. Avrebbe dovuto vincere  “Il nuovo mondo” di Emmanuel Lubezki.

19. Avatar (2009)

Avatar è rivoluzionario, ma a livello di pura fotografia il lavoro di Mauro Fiore è ordinario. In realtà questo premio sembra essere stato assegnato più per il risultato tecnico della performance e delle scene interamente in CG. Ma se parliamo di arte fotografica qui le immagini evocate da Fiore e James Cameron sono in realtà piuttosto semplici. Ancora una volta, però, la vittoria è comprensibile alla luce delle innovazioni tecniche presenti nel film. Avrebbe dovuto vincere: “Harry Potter e il principe mezzosangue” con la fotografia di Bruno Delbonnel

18.Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000)

Il lavoro di Peter Pau in “Crouching Tiger, Hidden Dragon” si distingue soprattutto per la sua fluidità, poiché il regista Ang Lee cattura le acrobazie ad alta quota dei suoi attori. Ed è bello, bello e pulito, ma in diretto contrasto con il lavoro pionieristico di Roger Deakins su “Fratello, dove sei?” che ha sperimentato il processo fotochimico con risultati sbalorditivi. Probabilmente quest’ultimo era più meritevole di vincere.

17.Master and Commander: The Far Side of the World (2003)

“Master and Commander:The Far Side of the World” del regista Peter Weire è un film ampiamente sottovalutato, ma è bello sapere che il film ha ottenuto una vittoria in questa categoria. Girare in mare aperto è notoriamente difficile, ma il direttore della fotografia Russell Boyd riesce a dare vita a questa avventura sul mare in un modo da far sentire il pubblico direttamente sulla nave. La cornice nebbiosa imita la natura solitaria della posizione dell’equipaggio e le battaglie delle navi prendono vita con vivacità e gusto.

16. Il labirinto del fauno (2006)

La magistrale fiaba di Guillermo del Toro “Il labirinto del fauno” ha segnato una scelta in qualche modo sorprendente per questo premio nel 2006, ma il direttore della fotografia di lunga data del regista Guillermo Navarro ha fatto un lavoro eccellente. L’uso del colore in particolare è notevole, così come il movimento fluido della telecamera che cattura l’attenzione del pubblico.

15. Hugo (2011)

“Hugo” è stato un film di primati per il regista Martin Scorsese. Non è stato solo il suo primo film realizzato appositamente per il pubblico più giovane, ma anche la prima volta che ha lavorato con il formato 3D. Da storico del cinema quale è, Scorsese non usa semplicemente il 3D come espediente. Ma lavorando con il direttore della fotografia Robert Richardson trova modi intriganti ed entusiasmanti per utilizzare il formato 3D per sottolineare i principi di base del cinema. Questo va di pari passo con l’argomento del film, che tratta dei primi giorni del cinema e di come è nata l’arte dell’immagine in movimento.

14. Slumdog Millionaire (2008)

Il direttore della fotografia Anthony Dod Mantle si è fatto un nome con il movimento Dogme 95, dando vita al cinema sperimentale in modi nuovi ed entusiasmanti. Ha continuato a spingere i confini della verità con il regista Danny Boyle in “28 Days Later”, ma la loro collaborazione su “Slumdog Millionaire” rimane la loro più sorprendente e impressionante fino ad oggi. Questo è un film che si sente vivo grazie alla cinepresa attiva e aggressiva di Mantle, e racconta la storia e i personaggi straordinariamente bene.

13. Vita di Pi (2012)

Il cinema digitale ha fatto passi da gigante negli anni 2010 e il lavoro del regista Ang Lee con il direttore della fotografia Claudio Miranda su “Life of Pi” è un brillante esempio di come intrecciare perfettamente attori e set pratici con personaggi e sfondi digitali. Il risultato è davvero sbalorditivo, soprattutto se confrontato con altri film a schermo verde. L’uso della luce da parte di Miranda fa sì che il tempo di Pi in mare abbia un aspetto tattile e reale, mentre allo stesso tempo un po ‘surreale, in linea con la storia stessa. Col senno di poi, “Life of Pi” è stata una pietra di paragone nella cinematografia digitale e regge molto meglio di molti altri film in CG realizzati oggi. Eppure, quell’anno era in gara con il lavoro fotografico di Janusz Kaminski in “Lincoln” e lo straordinario “Skyfall” girato in digitale di Roger Deakins.

12. Inception (2010)

Il regista Christopher Nolan ha un talento per mantenere segreta la magia dei suoi film, e infatti, quando il pubblico ha assistito agli effetti pratici strabilianti di Inception, il lavoro del direttore della fotografia Wally Pfister è diventato ancora più impressionante. I movimenti e le immagini molto specifici necessari per creare questi paesaggi onirici in ambienti pratici richiedevano un enorme livello di abilità e Pfister ha più che superato la sfida.

11. Roma (2018)

Il regista Alfonso Cuarón aveva inizialmente programmato di lavorare di nuovo con il suo direttore della fotografia Emmanuel Lubezki , vincitore dell’Oscar per “”Gravity”. Ma Lubezki è stato costretto a lasciare l’ambizioso dramma a causa di conflitti di programmazione. È stato allora che Cuarón è intervenuto, dando vita alla sua visione con dettagli sorprendenti. La  fotografia di “Roma è rivoluzionaria in quanto Cuarón relega la telecamera in un angolo o in una stanza o sul lato di un muro e costringe il pubblico a testimoniare gli eventi come osservatore obiettivo. Non ci sono ovviamente grandi movimenti della telecamera di cui parlare, eppure il posizionamento della telecamera e la composizione dell’inquadratura di Cuarón sono estremamente precisi. Ogni decisione presa qui era al servizio della storia – è in nitido 4K in bianco e nero in modo da evocare un ricordo senza nostalgia – e il risultato è un’opera davvero affascinante.

10. Il Signore degli Anelli: La compagnia dell’anello (2001)

Il defunto, grande Andrew Lesnie è stato responsabile della creazione del mondo della Terra di Mezzo come lo conosciamo, e tutto è iniziato con “Il Signore degli Anelli: La Compagnia dell’Anello”. La ricchezza della cornice di Lesnie è uscita dallo schermo per avvolgere il pubblico in questo mondo fantastico, ma non ha mai messo in ombra i personaggi. Questo è un traguardo culminante nella storia del cinema, ed è un peccato che Lesnie ci abbia lasciati troppo presto perché il ragazzo senza dubbio aveva molta più grandezza da condividere con il mondo.

9. La La Land (2016)

Per questo film non si è parlato abbastanza del lavoro del direttore della fotografia Linus Sandgren. Tutti erano concentrati così tanto sulla battaglia per il miglior film, ma Sandgren ha offerto il miglior lavoro della sua carriera fino ad ora nel contesto del musical di Damien Chazelle. Il suo uso del colore in particolare è impressionante , per non parlare del numero di Astaire / Rogers girato a Magic Hour che sembra allo stesso tempo trascendente e incredibilmente reale. I musical riguardano il movimento e la telecamera di Sandgren gira intorno agli amanti del film come se fosse un personaggio a sé stante. È un lavoro grandioso e anche contro una forte concorrenza come il magistrale “Silence” di Rodrigo Prieto la sua è una vittoria meritevole.

8. The Aviator (2004)

“The Aviator” è il tipo di film che si ottiene quando lavorano insieme uno dei più grandi storici del cinema di tutti i tempi è uno dei più grandi registi di tutti i tempi. Nel raccontare la storia di Howard Hughes, il regista Martin Scorsese e il direttore della fotografia Robert Richardson hanno deciso di catturare ogni epoca della vita di Hughes nel modo in cui sono stati girati i film durante quel particolare periodo di tempo, ricreando l’aspetto dei primi film a colori bipack e tre -strip Technicolor. Questo è il nirvana per i nerd cinefili e rimane un risultato straordinario fino ad oggi.

7. Birdman (2014)

In qualità di unico direttore della fotografia a vincere dell’Oscar per la migliore fotografia tre volte di seguito, Emmanuel Lubezki ha consolidato il suo posto nella storia degli Oscar, in modo del tutto meritevole. Il risultato di Lubezki nel rendere il film simile a una singola ripresa continua è straordinario, e sebbene questa tecnica sia già stata fatta prima, non c’è nessun altro come Chivo.

6. Road to Perdition (2002)

“Road to Perdition” è un film di ombre, che è appropriato dato l’argomento. Il leggendario direttore della fotografia Conrad L. Hall mette in mostra il suo tocco magistrale in quello che sarebbe stato il suo film finale, e in effetti il ​​suo Oscar è stato assegnato postumo. Quello che Hall fa con la luce in questo film è miracoloso, e lui e il regista Sam Mendes trovano un modo meraviglioso per raccontare questa storia attraverso gli occhi di un bambino attraverso i  movimenti ​​della telecamera e le inquadrature. Anche se il film stesso è stato in qualche modo dimenticato, il lavoro di Hall rimane degno di nota anche 15 anni dopo.

5. The Revenant (2015)

Nella battaglia tra i film di Alejandro G. Iñárritu di Lubezki, un leggero vantaggio va a “The Revenant”  per il suo straordinario uso della luce naturale. Non è un compito facile, specialmente nei luoghi utilizzati per questo film, ma Lubezki lo fa funzionare magnificamente per creare un’immagine sempre più inquietante. Il pericolo della natura selvaggia prende vita meravigliosamente attraverso l’obiettivo di Lubezki e senti davvero la qualità viscerale del cinema filtrare attraverso lo schermo.

4. Blade Runner 2049 (2017)

Il film che alla fine ha portato l’Oscar a Roger Deakins. “Blade Runner 2049” dà vita ad ambienti futuristici sbalorditivi, utilizzando un mix di effetti pratici e CG. Ma sono le complessità della  fotografia che elevano “Blade Runner 2049” ad un livello superiore. L’attenta meticolosità necessaria per creare la sequenza Joi / Mariette è fenomenale, e il modo in cui Deakins usa l’acqua e la luce per illuminare lo spazio abitativo di Wallace è sbalorditivo. Il fatto che il direttore della fotografia abbia fatto tutto questo principalmente usando un’illuminazione concreta invece di filtri colorati o effetti digitali lo rende ancora più impressionante. Per una volta, un Oscar atteso da tempo non è stato assegnato come premio di consolazione.

3. Gravity (2013)

Il risultato più importante di Emmanuel Lubezki è il suo lavoro con Alfonso Cuaron su “Gravity”. Egli porta il suo caratteristico stile naturalistico in un progetto ad alta intensità di effetti visivi, mentre lui e Cuaron fondono gli attori con ambienti CG in modi sorprendenti.

2. 1917

“Tutto quello che puoi fare io posso farlo di meglio”, dice Roger Deakins a Lubezki. Non proprio, ma “1917” – un film della prima guerra mondiale raccontato interamente in una singola ripresa continua – sembra una maestria diventata ormai un topos negli ultimi dieci anni. Ma “1917” non è solo una meraviglia tecnica, è anche in linea con la storia. C’è uno scopo in questo scatto continuo, e quello scopo è creare un film di guerra esperienziale che ti metta nello spazio per la testa del caporale William “Will” Schofield. L’ode ai veterani del regista Sam Mendes, onora la loro memoria permettendoci di sperimentare in prima persona il terrore e l’adrenalina di questo soldato, mentre lavora per consegnare una lettera che potrebbe salvare migliaia di vite. Il lavoro di Deakins qui è ossessionante ma muscoloso, poetico ma intenso.

1. There Will Be Blood (2007)

Il 2007 è stato un anno eccezionale per la cinematografia. Questa categoria ha visto Roger Deakins andare contro se stesso per l’incredibile lavoro su “L’assassinio di Jesse James” e “No Country for Old Men”, ma Robert Elswit è uscito con la vittoria per il suo straordinario lavoro in “There Will Be Blood” di Paul Thomas Anderson. La cornice è tutto in questo dramma del periodo oscuro, ed Elswit racconta la vita di Daniel Plainview con dettagli sbalorditivi. Le immagini sono vitali per questo film e l’inquadratura che Elswit allestisce qui, e il suo uso dell’illuminazione, completano in modo fenomenale la storia in un modo che ne sottolinea l’impatto

Maria Bruna Moliterni

21 ⁄ 04 ⁄ 2021

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